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原生艺术论文 原生艺术对我个人艺术创作的启发

2018-12-21 15:46:35来源:组稿人论文网作者:婷婷

  第一章认识原生艺术

  1.1原生艺术的由来

  说起原生艺术Art Brut的历史,最先提到的当然该是让.杜布菲Jean Dubuffet。自1945年他到瑞士,法国参观了好几个边缘艺术作品的收藏,被一些作品深深打动之后,他就凭直觉提出了原生艺术Art Brut的概念。原生艺术的作品自然在他之前千百年就一直存在着,只不过他把这些艺术从边缘地带正式引介到学术界和大众的眼前。

  让.杜布菲Jean Dubuffet经过的苦苦思索,他尝试定义原生艺术Art Brut:是指一群默默无名的人的创作,铅笔画、彩画、刺绣、手塑品、小雕像等等的艺术形式。源于自发的冲动,受到幻想甚至是精神上的错乱的影响,远离常规的传统艺术。显现出自发与强烈创造性特征。尽可能的呼唤着人性中最原本和最自然甚至是最个性的表达,他们不考虑规则和主流,完全是从自己的本能和灵感中进行创作的。虽然让.杜布菲Jean Dubuffet的这个定义包含了原生艺术的基本要素,但是依然非常的笼统。原生艺术的概念在二十世纪四十年代能够提出跟当时人们越来越重视人本身的发展,社会也是随着第二次世界大战的结束,西方第二次工业革命的结束,信息革命的开始和发展,人们更多的愿意用艺术来表现真实的主观情感,直抵人心的作品越来越多的受到关注。如今的社会,人们越来越重视“个人”的发展突出每个人的个性、天性对事物的独特理解力等,这也是为什么这个年代原生艺术的理解和定义不断地发展着,外延在被不断扩大,渐渐变成了如今艺术门类中不可忽视的一部分。

  1.2 原生艺术的独特性

  原生艺术的每位作者几乎都是自学成才的边缘人,他们运用自己的独创性,创造出新的主题、风格、技法等,每个人基本都是秘密地、孤独地进行创作着。他们没有特定的观众,甚至有时没有意识到自己是在创作的,他们每个人以至于每部分都有着相对应的独特的审美观点。所以我们也就没有办法将这些原生艺术者同一场艺术运动或者是一种艺术思潮的成员进行比较,因为他们没有相同的主张和立场,无法在一起进行艺术运动。可以说原生艺术也就是以一种意识形态现象而存在。

  我觉得原生艺术是无法通过某种定义来显现出自己的存在的。但有了定义后会引起更多公众的关注。让.杜布菲对原生艺术的定义、收藏、展览、阐述等,无疑是推动真正美学的催化剂。在1945年首次使用“原生艺术”这个概念时,原生艺术的概念还没有出现或者说还没有完善的定义,这也就意味着“原生艺术”这个概念是在作品之后出现的。时间顺序上的错误与原生艺术自身的独特性有着内在的联系。

  1.3 原生艺术先驱者的了解

  对于原生艺术的先驱者的研究必定是一种臆测,一方面据调查19世纪末之前的原生艺术作品没有保留下来任何的内容。另一方面也因为原生艺术独立的审美让研究者不得不通过推测及揣摩来进行研究,而不是用分析它的风格、形式、图像等等。这些都是造成原生艺术系谱必定是臆测的必然原因。但是对于我来讲如果说原生艺术只是发自内心的不加修饰的,那我觉得几千年前的壁画、岩画等等的原始绘画也能称之为原生艺术。如果我们从公认的艺术规则之外发展出了多种表达自我方式的 “艺术家”来臆测原生艺术系谱的话,那比较引人注目的有,意大利博马尔佐Bomarzo 的奇幻怪物公园、尼德兰画派大师博斯Bosch 代表作品有《人间乐园》、意大利文艺复兴时期以讽喻画而闻名的朱塞佩.阿尔钦博托Giuseppe Arcimboldo 等,他们都超越了公认的艺术规则,表现出别具一格的创新。原生艺术拥有庞大数量的潜在地先驱者。19世纪也有一些小型的边缘运动也可以称之为先导,一群来自雅克.路易.大卫Jacques Louis David工作室的年轻画家,排斥学术,通过古怪的穿着打扮和边缘的生活方式来展现自己。还有由朱尔斯.利维带领的一群前卫艺术家通过举办“一场不知道怎么绘画的人创作的画展”他们的口号是“去死吧,规则!”这种独特的方式表现出他们一种满不在乎的挑衅的精神状态。1912年出版的《青骑士(Der Blaue Reiter)》年鉴中,瓦西里.康定斯基Wassily Kandinsky和弗朗兹.马尔克Franz Marc也收集了民间艺术、原始艺术、儿童艺术和先锋派艺术……这些都在他们自己的创作中起着不容置疑的重要作用。

  第二章 原生艺术的特点及影响

  2.1原生艺术的特点

  原生艺术也可以称之为界外者艺术Outsider Art,我觉得这些界外者狭义上可以指“没有受过专业艺术家应受的教育和

  训练的人”所创造的艺术。

  原生艺术的创作者与职业艺术家不同,他们头脑中没有“艺术家”和“作品”的概念。他们是被定义的“艺术家”,他们的创造被称为“作品”。他们在最自然最纯粹的状态下进行着自然地创作。 不遵循任何职业的轨迹,只是偶然的从事艺术,以独有的方式单纯的只是为了自己的愿望或是个人的快乐而去完成这些作品,基本没有宏伟的创作计划,只是想要表现心中的痛苦、恐惧 或是愉快的朴实艺术。创作展现他们的自由性和隐私性。他们不善社交,疏离社会,处于社会的准则和规范之外。但是他们有着强大的忍耐力和对创作的极大热情这些力量强大并且足够顽强。他们甚至可以彻底的改造创作过程,进行着完全独立的匿名创作。有些人说原生艺术是精神病艺术,但是在我看来任何真正的艺术都会表现出激动、不安甚至是暴力或者表现极为安静、洁净甚至是洁癖……疯狂让人摆脱烦恼,给了他想象的翅膀。

  “描述什么是原生艺术显然不是我的职责,从一个东西分离一个东西都是对他极大的破坏,甚至扼杀了他。”他们之间存在着某种联续性,怎么能给他下定义呢,定义的越清楚也就会变的越混乱 。在一个概念或一个名义下集合了各种各样的表现形式的作品,而且并不尝试为他们分类。这也许是让.杜布菲的想法。

  2.2原生艺术者在选题和制作手法上的特点

  原生艺术者每个人都有相对应的独特的审美观,所以在选题和制作手法上没有相似的。先说说原生艺术家里最著名的阿道夫.渥尔夫利Adolf Wolfli,渥尔夫利1864年出生在瑞士6岁时父亲离开家9岁时母亲去世,他开始了四处流浪的生活,1895年关进了瓦乐道精神病院。1899年开始在医院自己的小屋里大量的进行绘画,精神状态也变得稳定了下来,1917年起由于创作量太大医院给他转了更大的房间并让他来帮忙装饰医院的美术馆。摩尔塔勒医生出版的《一个精神病艺术家作品选》让渥尔夫利在当地小有名气,1930年12月得肠癌去世。留下了45本笔记本,1600张图画和1500张拼贴,其余的都是乐谱和诗歌。渥尔夫利在医院这样小的空间里,用最简单的纸和笔进行描绘他的世界,他的作品中有大量的音符和乐谱这是他一个很大的特点,出现的谱子多是六线谱,早期作品乐谱上没有音符,作品中有无壳的蜗牛和无脚或双足的白鸟,Wolfli化身为带十字架的圣经中人物,有时带着面罩有时留着胡子。Wolfli画面中的人物和图形总是变换着装饰在不断的重组中。使用的纸多是医院的废纸甚至是丢弃的纸,后来收集报纸杂志的图片剪贴,对于他来说什么都是宝都能引起他无限的灵感。他的画结构严谨还有者和谐的色调,有时看他的画甚至觉得不仅是视觉的了,连听觉也一起在动,这些都偏离了当时社会主流文化的规范标准。 Wolfli的作品主要的都在瑞士伯恩美术馆,这里有他的基金会。一位做木刻的生于法国的奥古斯特 .弗雷斯蒂尔Auguste Forestier , 从小性格火爆,迷恋火车,喜欢做木刻的徽章,在医院的几年里,得到了医院的信任让他在医院商店帮忙,他便开始到处去捡垃圾,去附近的铁匠铺捡废弃的木箱,贴片铁线等等,除了徽章他还刻了许多的鸟头帽冠的人物像,也叫做有翅膀的神,还有戴着头冠的国王像。除人物外还做了许多的战舰、牲畜车、长角的怪物头、有鱼尾的长翅膀的动物,或是有装饰着彩色玻璃的圣物盒。他的制作方法也很特别,总是先把捡来的木头粗略地切成正方形,没有什么特别的明确的形状,把这个与他收集到的奇奇怪怪的小物件放到一起,比起雕刻说他是各种物件的组合更贴切,还经常在木头上裹上一层碎布或者皮料,他从来不用胶,就喜欢用钉子来钉,即使钉子的痕迹会让整件木刻显得粗糙他也不在乎。也许粗糙正是他想要的感觉。列克.昌德Nek Chand 是个着迷于岩石的男人,他逃亡印度后做了道路巡逻员,收集了大量的石头和工业废弃材料,一直在岩石公园里秘密工作着。他多是使用再生材料,废弃的车座,电栓的框架等加上水泥和大量的粘合剂来制造,最后在雕塑表面粘上碎玻璃手镯陶瓷马赛克等,或者将铸铁的残渣与废物结合,眼睛有些用贝壳制作。这些雕塑在这里进行着各种仪式和活动。

  这些人的艺术作品都让我感到惊讶、兴奋,每每看到都让我感动,感动他们的那份执着,那份对艺术难以舍去的热爱。他们没有受过任何的美术专业的训练,更没有想要成为艺术家,只是一直按自己的方式活着,常年普通又独特的生活经历给了他们创作的动力和营养。“作品”完全的发自内心的感受及想象。

  2.3 原生艺术的影响

  “原生艺术”这个概念再20世纪能够提出也跟20世纪初各种艺术潮流艺术革命有关。这些流派的发展和原生艺术的出现、发展密切相关。这时原始艺术席卷欧洲,改变了人们的审美以及思考方式。艺术家们也都急切的想要从传统艺术的束缚中解脱出来,到处寻找新的定位及价值。巴伯罗.鲁伊斯.毕加索Pablo Ruiz Picasso爱上了非洲的木雕、东方艺术等。而保罗.高更Paul Gauguin则去了大溪地的塔希提岛生活,那里变成了他的精神家园。瓦里西.康定斯基 Wassily Kandinsky 则学习了民间艺术家。这些艺术家吸收了原始艺术、异国情调、民间作品等不同来源的艺术从而解放了自己,成为世界大师。艺术家们对这些艺术的狂热也对原生艺术史有重大影响。

  20世纪初还有许多先锋画家逐渐的关注原生艺术。例如,保罗.克利 Paul Klee ,克利在他的作品集中收录了大概20件自己孩子时期的画作。自他投入创作以来,这位艺术家积极的关注儿童绘画。这里的“儿童绘画”是狭义上的,是指没有参加过任何艺术训练或者艺术学习,不盲目抄袭,会画出纯真的绘画,绘画的手只听从自己的思想自己的心的儿童的绘画。Klee认为“新世界的发展源自对压抑感觉的探索,而儿童也有艺术才能有艺术智慧,他们越是无知,他们的例子就越能给我们启发,我们必须保护他们从小远离堕落的影响”。{注}先于学习和训练出现的作品正是克利所要追寻的,对克利来说它们是最丰富多彩,最具独创性的。它们概念上的抽象和艺术上的自发性,不受到任何影响,纯真无邪,绘画中表现力达到了顶点。Klee觉得儿童绘画是他灵感解放的来源。Klee学习儿童采用的自然方法—线状风格、重复图形、歪曲结构等,来获取单纯自然的效果。虽然克利意识到学习这个方法未必能达到最想要的效果,但他却认为这个可以填补我们的精神空白、完善我们的审美观。

  19世纪在工业化的英国、法国、比利时等地,工人阶级人数的增长和农村人口大量涌入城市,通灵说的理论观点及实践都引起极大关注,降神会开始的举办,人数和通灵故事数不胜数,让自己灵魂出窍、进入灵魂世界,与灵魂世界建立一种神秘的联系。在这种实践下产生了大量的文字和图画。维克托利安.萨尔都Victorien Sardou 就受到这种超能力的指引,他用刻刀不停地从木板的一端飘向木板的另外一端,而不离开木板 表面,同一个点来回一百次。大多通灵者没有固定的方式,没有特定的顺序。通灵艺术吸引了许多艺术家,其中安德烈 .布勒东Andre Breton 这位法国的超现实主义创始人之一,尽量的摆脱了传统美学,将梦境引入了日常生活。甚至将这种艺术当做是超现实主义的延伸。这种自由创作、无明确目地、不事先计划的一种半清醒的被动状态,成为他创作灵感的必要来源。

  马克斯.恩斯特Max Ernst是达达超现实主义 Dadaism的创始人之一,在他还是个学生的时候就很关注精神病院所收藏的作品,1919年,在科隆组织了一场达达主义展览,在自己的作品旁边放置了非洲雕塑、自然艺术品、精神病人的作品,表达了他们是在同一精神的指引下。他深信无意识中隐藏着尚未使用的力量,而这种力量能够丰富自己的创作方法。雕塑家卡尔.布伦德尔Karl Brendel在包豪斯(Bauhaus)学院授课时,经常把精神病人及原始艺术的作品运用在他的教学及自己的创作中,他非常重视自发和独创性。汉斯.普林茨霍恩在《精神病人的表达》中提出“奇形怪状的主题转变成自然的作品,转换成创作的原始形式,投射出灵魂的奇特表现,从而到达神秘的深度,内在的奇异景象和原始艺术方法构成了双重主题,这也是许多的艺术家孜孜以求的。由于这些独特作品的发现也增强了艺术家的敏锐感觉。在他们眼中,精神病人本身就携带着某种自然真相。”{}保罗.克利声称“纯粹的心灵视角,原始人、儿童、精神病人都保留着或者可以说重新发现了不同的洞察能力,他们之所见之所使用的形式,我都是最有价值的。”在我觉得除了克利说的这些外,原生艺术家们对艺术的热情和自由的精神,让我在精神上大受鼓舞。

  第三章 原生艺术对我个人在艺术实践中的影响

  3.1 对我审美趣味的影响

  原生艺术开启了我艺术上的一扇窗户,忘记了自己具体是从什么时候开始关注原生艺术的,以前只知道亨利·卢梭Henri Rousseau是法国画家,以纯真、原始的风格著称,都称他为原生艺术之父。还有法国的稚拙画家Camille Bombois,他画的胖胖的人物让我记忆犹新。记得应该是在2013年看完电影花落花开吧,主人公萨贺芬一个女仆对艺术的坚持和爱,她那爬在树上唱歌的样子让我记忆犹新。但是那时我并没有去了解原生艺术,但是心理记住了这个名字。2015年去完欧洲参观完博物馆和美术馆有缘买到一本原版原生艺术的书,才开始真正的开始关注原生艺术,查找了许多上面的原生艺术者的作品和生平,开始寻找了很多听不懂的记录片,有的原生艺术者一句话都不说静静悄悄、默默淡淡的,动作十分缓慢。有的情绪饱满甚至激动,走路速度很快,语速极快,动作有力作品多变有的甚至是害怕。最先看到的是一位英国原生艺术家叫Alfred Wallis阿尔弗雷德.沃利斯有些地方说他是一名船员也有地方说他是一位渔夫,我觉得他就是一位几乎一生都跟大海为伴的人,他的所有作品也许都是对大海生活的寄托,以一种优雅朴素的现代感描绘船只、灯塔、大海都极为的质朴,没有任何拘束的表现着他心中的对象。

  毕卡西特(是绰号法文毕加索和盘子结合的缩写),他将自己的家变成了马赛克艺术的天堂,室内室外,床头家具等直到贴完他成为“圣灵之墓”决定不在贴了,一共贴了24年。

  James HaroldJennings詹姆斯.哈罗德.詹宁斯从小在家里的农场工作,母亲去世后他住在一个大巴车里开始创作,生命的最后10年里做了4000件作品,作品受梦想,幻想和偶尔的阅读材料的影响。一系列以“tufgh women”为特色的作品殴打受到惊吓的小男人,经常将各种文化艺术元素巧妙的融合在一起,利用锯齿形形状和类似于当地土著艺术的点模式。他也受当代文化如漫画书,地理杂志等的影响。他称自己为“日月星辰的艺术家”,他经常在作品中加入大自然的象征,并将他们包含在他的签名中。第一次看到詹姆斯的作品我开心的说他肯定是个幽默的人啊,但当我读完他的故事后怎么都想不到他是自杀的,一个心理如此恐惧的人竟能做出这样喜庆的作品。他们有的面对了真正的自己也有的无法面对真正的自己,但都真正的做到了每个人都不一样。就像徐冰先生说的“你必须面对生活的现实。你生活在哪儿,就面对哪儿的问题,有问题就有艺术。”

  每每读完他们的故事,看完他们的作品那种刺激感动还长留在我心中,就像小的时候看到自己喜欢的对象那样心跳激动兴奋,有时疯狂也有时迷惘。他们在自己经济或精神不论好或不好的情况下都坚持做自己想要做的,这种精神不断的冲击着我的精神领域。每每看到他们的作品,他们在艺术里的那份执着都引导着我不断的寻找着自己的内心,挖掘并留住只有自己的那份情感,将他放在绘画里。他们把艺术当做了一种需要,跟吃饭一样,没有就不行的需要。而我们当下的社会是金钱的社会,艺术家如果不为经济利益、市场行情来创作可能会一无所有,但这样的创作就不在是一种自发的创作行为了,随着互联网的迅猛发展,信息时时刻刻的冲击着我们的生活。我们也越来越少看到有“原创力”的有特点的作品了,就像现在人的长相一样越来越雷同化,什么样的是美的变成了是有唯一标准的。所以当看到以前这些原生艺术家的作品时倍感激动,像看到了80年代的天然美女一样兴奋。慢慢地我好像感觉到了为什么让.杜布菲Jean Dubuffet用“原生艺术 Art Brut”来定义,也许是希望艺术家能找到人或者自己的内心,没有受过干扰的内心。这样倒过来讲,成熟的艺术家也可以做原生艺术,通过倒过去去寻找、唤醒原来的那些被埋没掉、被抹杀掉的在这个世界上只有你才有得东西。我在学习绘画的过程中,学院里教的都是写实的,后来自己也拼命的想画好写实,重来没想过自己喜欢什么想要表达什么,一直都是想哪方面技法还不行还要在补补,虽然想法没有错误,但是我永远找不到我自己。观看了许多美术馆阅读了些艺术理论方面的书后慢慢觉得写实这种形式越来越陈旧,也无法突破,最重要的他根本不适合我自己,我无法用写实的方法来表达自己的想法。遇到段正渠先生后我觉得他的艺术是对人的情感的探索,跟着段老师下乡写生,走路、爬山,有时一身汗有时又大风刮的眼都睁不开,但无论怎样老师都坚持画画,这不断地冲击着我的精神领域,他这样的执着、这样的热爱,跟原生艺术家完全相同。这都指引我开始不断的挖掘自己的内心,问自己什么是跟我有关系的,怎样能表达自己。原生艺术不单单影响了我的审美趣味,也对我的艺术道路拓宽了许多并告诉我要时刻保持开放的状态。如果生活能让我心的容积越来越大那么就艺术他能让我意识到自己的存在,让我寻找自己心理的那份独有的情感,表达出心理无法说出的情感,将他放在画里。寻找留住的过程虽然痛苦但我也是背离写实越来越相对质朴的面貌。

  3.2原生艺术对我个人创作中制作手法和材料的影响

  美国原生艺术家约瑟夫.约克姆Joseph Yoakum他也是少数几位在世时受到了主流艺术圈的承认的原生艺术家,他影响了1960年末的芝加哥意象派Chicago Imagists以及赛德.本宁Sadie Benning等年轻的一代美国艺术家。约克姆早年在美国几个大型马戏团的先遣员,又以士兵、火车行李员等多种身份,一生辗转漂泊在世界各地的旅途上,据了解他穿越了除了南极洲以外的各大陆。直到他70多岁时,偶然的一个梦,他受到启发并开始作画记录下他年轻时旅行中的点滴。在早期作品中,约克姆用钢笔或铅笔在小尺寸的纸上几乎完全以单色作画,后随着他画得频繁以后,不仅作品的尺寸变得比以前更大作品也更自由与大胆。约克姆以流畅线条从不修改地勾勒出山川、土地与河流的界限,再以水彩或彩色铅笔填入,色彩丰富明亮却不过于艳丽。作品线条错综蜿蜒、色调清新,那些弯绕崎岖、奇石异岩,好像都扭动着,仿佛内在积攒着的力量要爆发很快就将观众带入了一种半梦半醒之间的状态,不知究竟是约克姆旅行中遇见过真实存在的图景与人物,还是他梦境与想象中的幻觉。。自1965年其到1972年去世,约克姆每天都会绘制至少一张这样的风景或人物画,这些作品在构图与内容上各不相同但却在质量上都保持着令人惊讶的高水准。在每件绘画中,他都将描绘的地理位置、特征与日期尤为具体细致地记录下来(通常在左上角或左下角),尤如归入某种档案一般。这些风景让我想起了中国宋代的画家郭熙、李公麟绘制山水的状态和明清时期绘制的中国的地图的手法,写实但是不是真实。我在风景写生中学习他这种不加修改的画出高山河流、用线连续不断的勾勒山川河流、用色上没有艳丽的颜色的方法,将这些方法运用在我的风景画里。虽然这种方法显得有些慢、不讨巧,甚至别人已经画完一两张时我一张还没画完。有时线不连贯,我就索性让他完全不连贯,一点一点笨笨的描,这种过程让我感觉到了情感的连贯我陶醉在这种感觉里,因为他效果特别也贴近我的性格我也就不去管作品的完整性或者这张是否有遗憾了。因为永远有不完美,不如有这一种满足先。

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  James Edward Deeds本人的生平不可得知,但他阐述了一个我们永远无法看到的世界。铁路穿越平坦的景观,木结构房屋与细长的树木接壤,人们的正式肖像全都以巨大的眼睛在观看者身上张开。像其他自学成才的艺术家的作品一样,他们被生活折磨都很容易让艺术失去作用,因为艺术好像一直都是无忧无忧衣食无忧时才来干的事,但是他们都却用艺术来表达最想要表达的心理寄托自己的内心。

  Deeds。他画的房子平衡,秩序和重复似乎是最重要的。线条非常直,肩部平整,砖块数量完美测量。喜欢的主题有羽毛,星星,烟囱,皮帽,羽毛笔,硬币,小船,汽车和火车,时钟和手表。特别是对船来说许多在船头上安装了环,就好像拉绳一样。一些深度探索的主题包括马戏团,内战,政治,园林设计等。同时还有动物有的大象,马,猴子,猫,老鼠,浣熊和鹿为代表的作品。几乎所有的作品都带有着复杂的细节,有各种各样的标题和注释,这些标题和注释创造性地拼写并经常令人费解,许多作品中有的超现实元素我也一点不奇怪。在我看来这都Deeds作品最迷人的地方,最具异想天开和象征意义的作品。但他最具代表性的那肯定是他的肖像,带着他惊人的目光,古怪的复古服饰和精致的饰物,每个人都有着同样迷人放大的瞳孔,灰色的或称“ 脏”的鼻子,细长的嘴巴和夸张的下巴。可能这都反映了Deeds看到的面孔:所有的注意力都在眼睛上,然后才是鼻子、嘴巴。他的这种一个一个画的方法就跟我学的传统的要整体画,要眼睛鼻子嘴巴耳朵一起画,画着眼睛要看着鼻子等的方法有着天壤之别!他几乎用相同的力气对待着画面中的每一个角落!人物的羽毛帽子画的羽毛一丝不苟,一根根的编织头发,精心制作的图案饰物丝带和蝴蝶结以及花束。这可能是他最具启发性和最令人难忘的形象。这是Deeds最经典的最有特色的贡献!我在创作中尝试学习了他这种没有近实远虚,没有主次对比,面对每一处都以相同的力量来对待,尽可能的不去处理空间,让画面在一个平面上。学习中对自己最大的挑战是学习Deeds对待画面的一丝不苟的状态,每每当有些地方是因为懒想一笔抹过时,我都告诉自己让自己慢下来,让自己反复画有些地方,尝试了用了他画房里的平衡秩序重复!看到Deeds的画时总有一种莫名的冷漠感,我在他画中人的眼睛里看到的我的脸总是失落的。我想这也许是他传递给我们最大的信息,他看这个世界的状态!

  威廉·霍金斯 William.L. Hawkins 在美国的肯塔基州东部的祖父母农场长大,他的一系列动物作品反映了他在农场的时间。后他一边从事各种杂工一边自己画画,从来没上过艺术学院。喜欢的主题包括城市景观,风景,异国情调,动物,时事,历史场景和宗教场景。他从报纸,书籍,日历,杂志和其他流行的印刷媒体收集的照片中复制了大部分主题。通过简化形式和提高颜色,他用剧烈的,旋转的笔法精心制作了某些段落。后期霍金斯开始拼贴大众媒体图像并且他开发了一种他称之为“膨化”形状的技术,通过将玉米面与珐琅漆混合从支撑物上建立起来。霍金斯还留下了大量的图纸。 霍金斯绘画的壮观与艺术家自身的宽广相呼应。他在20世纪80年代将他生活中的表演,视屏带入他的展览中。

  霍金斯的作品大胆而丰富多彩,也是他在日常环境和流行媒体中具有双重选阵的结果。作为一名自学成才的艺术家,他的成就鼓舞着我们这样的年轻人,表明我们可以利用自己的能力和可用材料来绘制一些对我们重要的东西。我研究生是表现性绘画方向,我觉得霍金斯就是最有表现性才能的原生艺术家,他运用各种的材料各种手段,这跟我们班的纸本写生创作中段老师经常跟我们提到的“用你能使用的一切”不谋而合。在纸上画画相比要在画布上画油画要来的方便许多,携带也比较方便,尤其是外出写生,其次画纸上的没有过多负担画不好就换一张,但最重要的是方便尝试,方便修改,可以反复尝试。创作中学习霍金斯对构图的趣味及丰富性,发现他总是把画面撑的的很满,设置一个底色然后连续地重复覆盖,并留出这些斑斓的色彩印记在这些特殊的肌理上进行绘制,底边上一定写满自己的名字出生日期,这也是他最大的标志,基本每一张画周围都有花纹或平涂的颜色,每张都不同,我想也许是他是给自己的画设计了一个画框。不论动物、人物、景物形态都画得饱满有张力。色彩有时纯净亮丽,有时温暖优雅。我在创作中一直不敢用过多的纯色,对颜色的运用有个人的偏好,虽说有好的地方就是辨识度高,但是我也被克制了发展,总是用自己喜欢的颜色不敢突破自己。

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